TIERRA Y LIBERTAD (KEN LOACH)

Precisión narrativa de la clandestinidad del POUM

Tierra y libertad es sin duda una oda a la narración de una historia que vaga entre la valía de un corazón inglés y la clandestinidad del POUM. La naturaleza narrativa del film es el flashback. El uso magistral de saltos temporales le ayudan a crear a Ken Loach dos líneas separadas de narración que logran encontrarse para cerrar un círculo narrativo perfecto. Loach busca que no nos demos cuenta de los saltos temporales: un claro ejemplo es el salto temporal de Liverpool a Marsella donde con un simple corte de montaje sitúa al espectador en otra ciudad y otra época. Con esta técnica narrativa consigue una sensación de flujo temporal sellado con estructura circular.

El tempo de la narración es variable dependiendo de los momentos álgidos en el film. Hay pausas entre este tipo de momentos para completar la unidad estructural: un ejemplo de ello es el corte de montaje con el que elimina una elipsis desde el 39 hasta el 96 desde la última carta del protagonista hasta el entierro de su amada. El film comienza con una elipsis tras mostrar como la nieta de David descubre una caja llena de recuerdos de su abuelo vuelve al pasado a explicar como David escribe todas esas cartas y guarda recortes de periódicos y un pañuelo envolviendo tierra. Acaba cerrando con otra elipsis, una elipsis invertida: narra como David logra volver a Gran Bretaña sin ser detenido y nos muestra su entierro 50 años mas tarde, volviendo al principio y cerrando la historia.

- La idea recurrente es que las personas tienen unas funciones, unos papeles en la sociedad, de los cuales frecuentemente les es difícil salir... lo que me interesaba es la manera en que las

personas pueden resistir esta presión social, la manera en que responden... Se ve a toda una clase social que llega a sobrepasar las limitaciones de sus condiciones de existencia -

Ken Loach, Director de “Tierra y Libertad”

Otro punto destacable del film es la utilización de un narrador en forma de voz en off vinculado a la historia. Un ejemplo de ello es el momento en el que se enfatiza la vuelta del camarada, donde mezcla historia con flashback y hace uso de la voz en off a modo de explicación. El narrador en off también nos ayuda a discriminar la información presente puesta en el pasado para identificar la función dramática. Los momentos clave como la muerte del amigo, la traición del partido, enamorarse de una camarada... son explicaciones individuales que nos hacen humanizar la guerra. La narración en off junto con estas explicaciones individuales con las que marcan la precisión narrativa del film.

Complementariamente se puede hablar de una unidad temática: la tierra y la libertad. La tierra está presente en toda la película, en el frente principalmente. Surge en los debates entre los habitantes del pueblo y entre los milicianos. En todos los entierros, desde Coogan hasta Blanca y David. La libertad es el sueño de todos los personajes, de todos los milicianos que combaten al fascismo en las trincheras. Surge en las canciones, en los debates de los camaradas, en las cartas de David, etc.

Añadido a todo esto, la narración de la historia se apoya en un punto de giro que sirve para realzar la historia. cuando David elige alistarse en el Partido Comunista tras ser herido por el mal estado de las armas de las milicias del POUM, podría considerarse un punto de giro en la historia: la puesta en escena ya no es en las trincheras sino en Barcelona, mostrando el enfrentamiento entre anarquistas y comunistas, para después volver a las trincheras. 

EL CLUB DE LA LUCHA (ANALISIS)

La lucha contra uno mismo

El club de la lucha es un film que usa sus propios personajes como elemento para la crítica de los conflictos que se dan en la sociedad moderna y recurre a ellos también a la hora de resolverlos. La primera alegoría para estos conflictos es el consumismo frente al nihilismo. El club de la lucha se caracteriza principalmente por su tono crítico frontal y directo hacia el consumidor compulsivo, representado en este caso por un narrador. El protagonista vive en una vida vacía y solitaria, trabajando para comprar muebles para su apartamento en el cual nunca esta, para endeudarse y seguir trabajando y es hacia este tipo de personas donde va enfocada la crítica del film.

Cuando entendemos y apoyamos la critica hacia este tipo de conducta, se nos presenta a Tyler. Él es el tipo de persona al que, después de conocerle, aspira nuestro protagonista. Tyler es la figura del nihilismo y escepticismo y en poco tiempo crea la representación de su estilo de vida a través de “El club de la lucha” propiamente dicho. Éste club aboga por la libertad y el desacato de las leyes mundanas que restringen la liberación del ser humano y los integrantes de éste son las personas que realmente viven una vida plena.

- El club de la lucha aboga por el nihilismo ante la alienación humana -

Una vez nos presenta la que creemos resolución del conflicto, comenzamos a darnos cuenta del tema principal entorno al que gira el film: el dualismo del hombre, la existencia de dos principios supremos, independientes y antagónicos, uno del bien y otro del mal, incrustados en la misma persona. La relación entre el narrador y Tyler es nacida de la esquizofrenia proveniente de su insomnio, y su baja autoestima debido a su vida vacía. Su odio a su propia existencia y su miedo a cambiarla fue lo que conformo a Tyler realmente, un hombre que destruye la sociedad que odia, sin ningún temor al sufrimiento y que usa como guía en su cambio de vida, el cual no podrá lograr por si solo.

Contrariamente a medida que va avanzando el film, Tyler va obligando al protagonista a llevar a cabo planes mas radicales pasando de la critica al terrorismo con la sociedad. Manipula al dueño de su cuerpo para que no se desvíe de sus planes cada vez mas perversos. Es entonces cuando comienza el conflicto resolutorio del film. El protagonista es consciente de que la figura de Tyler esta sobrepasando los limites que incluso el club de la lucha permite. Se da cuenta de que la postura cínica que esta adoptando Tyler: se jacta de burlarse de las franquicias pero comienza a crean distintos tipos de club por toda la zona; critica a los hombre que solo siguen a lideres, pero entrena a los luchadores a comportarse sin preguntar. Es en este conflicto entre el protagonista y Tyler donde nos guía hacia la resolución real del film.

El protagonista finalmente se ve obligado a enfrentarse a Tyler debido a un atentado que planea en el centro de la ciudad. En el lugar del atentado, el narrador logra convencer a Tyler de que ya no tiene control sobre él y que desde ahora él será el único que tome decisiones por sí mismo librando al narrador de su segunda personalidad para siempre. Llevando la pistola que Tyler solía llevar con él, el narrador decide tomar la primera decisión que es realmente suya: ponerse el arma en la boca y dispararse. Con esto nos resuelve el conflicto entre Tyler y el protagonista y el narrador propone la figura autodidacta de la persona, restando importancia al escepticismo y nihilismo primeramente presentados en la película. 

ENTERRADO (RODRIGO CORTÉS)

Enterrado para siempre

“Buried” comienza con el protagonista, Paul Conroy, enterrado vivo en un ataúd. Ésta, y la manera de salir de él, va a ser la temática principal del film. Paul dispone de un teléfono móvil y un mechero. El teléfono móvil nos introduce en el fuera de campo, mientras que el mechero es totalmente el campo ya que sin el no podríamos ver nada dentro del ataúd. Paul utiliza el móvil para hacer llamadas pidiendo ayuda pero se encuentra con una serie de impedimentos burocráticos que le hacen desesperar. Las largas esperas al teléfono y la incredulidad de las personas que lo atienden, hacen desesperar al espectador cada vez mas.

Tras realizar una cuantas llamadas, Paul, recibe una llamada de su supuesto secuestrador. 
Éste es el primer punto de giro de la historia a partir del cual la desesperación en el protagonistas comienza a ser mas notable. Es en este punto cuando empieza a hacer las llamadas “efectivas” y comienza su búsqueda. Hasta este momento la temática se había centrado en las largas esperas al teléfono para conseguir que le hicieran algún tipo de caso a su situación y a la incomunicación que podemos llegar a sentir en algunos momentos de necesidad.

En este momento Paul consigue contactar con Brenner, el negociador de secuestros, que le asegura que el gobierno de USA no pagara el rescate. Aquí el tema se centra en la doble moral del gobierno americano. A partir de aquí comienzan a darse una serie de situaciones que se convierten en el tema de este acto. El secuestrador le piede que grabe un video alegando que tiene información sobre su familia, la Empresa usa una serie de trucos legales para despedir a Paul y que su fanilia no cobre el seguro de vida. En este momento del acto es donde Paul tiene la moral mas baja y centramos el tema en este hecho.

Justo en ese momento encontramos el segundo punto de giro de la acción temática debido a un bombardeo sobre él que casi acaba con su vida. El secuestrador deja de responder a sus llamadas y piensa que ya no habrá ninguna forma de poder encontrarle. En este caso se usa el bombardeo como elemento del fuera de campo para describir un cambio de giro temático. No obstante, el secuestrador le vuelve a llamar y el negociador le informa de que un iraquí esta colaborando en su busca. Aquí nos cambian el punto de vista temático para que lo centremos en la esperanza de la salvación de Paul.

Finalmente el iraquí que colaboraba con el negociador les ha llevado a un ataúd equivocado por lo que no hay ninguna esperanza para Paul. Durante toda la película el espectador centra el tema del film en la salvación del protagonista, pero lo que realmente vemos con esta situación es la importancia en este caso de todas las acciones que ocurren en el fuera de campo y como afectan al protagonista. 

EL BAILE (ETTORE SCOLA)

Cien años de historia, un solo baile

La narración audiovisual es una fluctuación entre el campo y el fuera de campo. Un claro ejemplo de ello es “El baile” de Ettore Scola, que además usa esta fluctuación para formar un todo dentro de la narrativa del film. En primer término usa el baile en todas sus expresiones como acción principal que se desarrolla en el campo; El emparejamiento es la situación que da el campo en el presente. El film usa a Francia como epicentro de tres dimensiones: la humana, el comportamiento que se inserta en las circunstancias sociales y políticas y los acontecimientos históricos referidos a la política y la cultura.

El campo en la sala de baile es usado por Scola para narrar las acciones de los personajes principales y su historia, pero usa el fuera de campo para los cambios de giro en los acontecimientos que lo provocan. Por ejemplo, en la transición hacia la época de la segunda guerra mundial utiliza un tiempo abolido que se encuentra en un fuera de campo técnico, un fuera de campo no diegético, hacia el que miran las personas hasta el contenido escenográfico siguiente. El campo viene definido por la dimensión y medida espacial de los encuadres de la secuencia dramática. En ocasiones Scola utiliza la visión de el campo desde el fuera de campo como visión general de la acción. Es el caso del señor con sombrero que mira desde lo alto de la sala hacia la pista de baile.

Hay acontecimientos que se narran en el fuera de campo y que afectan al fuera de campo. Hay mucha acción narrativa que sucede en el fuera de campo y que construye realmente la finalidad narrativa del contexto histórico. La acción sucedida en los baños del baile es una de las principales narraciones de las épocas por las que sucede el film. El sonido fuera de campo nos ayuda principalmente a situarnos en la época en la que esta sucediendo la acción dramática. El sonido de aviones y bombarderos narran la ocupación de la Alemania nazi en Francia y la música melancólica que escucha el barman nos dejan claro que es el peor momento de la historia francesa.

El nexo de unión entre el campo y el fuera de campo en el film viene dado por las escaleras. Este elemento es utilizado por todos y cada uno de los personajes que aparecen para entrar al campo desde el fuera de campo, excepto por el barman. Cabe

destacar que todos los personajes de clase alta que aparecen en la película viene del fuera de campo. Otro elemento que se incluye en el fuera de campo y avisan de la entrada de un personaje o una aconteciendo importante son las sombras. Un indicativo evidente de la época en la discurre la acción dramática es la banda de música. A medida que van pasando por las diferentes épocas van cambiando de posición, aspecto y composición. Entorno a los años 1946 la banda de música se encuentra posicionada en un lugar alto en el baile y tiene por nombre “blue boys band” ,lo que nos indica claramente la época que se esta viviendo en ese momento. El posicionamiento de la banda de música puede hacer que este en campo o fuera de campo. Este elemento es muy recurrente para Scola porque le ayuda a definir muy bien el momento de la historia con el posicionamiento de la banda y el campo o fuera de campo.

El film finaliza con el tiempo presente. La retirada de los personajes se realiza hacia el fuera de campo por las mismas escaleras por las que entraron. Se incluye algún plano de situación dentro del campo con algunas acciones de fondo.