lunes, 1 de abril de 2013

TIERRA Y LIBERTAD (KEN LOACH)

Precisión narrativa de la clandestinidad del POUM



Tierra y libertad es sin duda una oda a la narración de una historia que vaga entre la valía de un corazón inglés y la clandestinidad del POUM. La naturaleza narrativa del film es el flashback. El uso magistral de saltos temporales le ayudan a crear a Ken Loach dos líneas separadas de narración que logran encontrarse para cerrar un círculo narrativo perfecto. Loach busca que no nos demos cuenta de los saltos temporales: un claro ejemplo es el salto temporal de Liverpool a Marsella donde con un simple corte de montaje sitúa al espectador en otra ciudad y otra época. Con esta técnica narrativa consigue una sensación de flujo temporal sellado con estructura circular.

El tempo de la narración es variable dependiendo de los momentos álgidos en el film. Hay pausas entre este tipo de momentos para completar la unidad estructural: un ejemplo de ello es el corte de montaje con el que elimina una elipsis desde el 39 hasta el 96 desde la última carta del protagonista hasta el entierro de su amada. El film comienza con una elipsis tras mostrar como la nieta de David descubre una caja llena de recuerdos de su abuelo vuelve al pasado a explicar como David escribe todas esas cartas y guarda recortes de periódicos y un pañuelo envolviendo tierra. Acaba cerrando con otra elipsis, una elipsis invertida: narra como David logra volver a Gran Bretaña sin ser detenido y nos muestra su entierro 50 años mas tarde, volviendo al principio y cerrando la historia.


- La idea recurrente es que las personas tienen unas funciones, unos papeles en la sociedad, de los cuales frecuentemente les es difícil salir... lo que me interesaba es la manera en que las
personas pueden resistir esta presión social, la manera en que responden... Se ve a toda una clase social que llega a sobrepasar las limitaciones de sus condiciones de existencia -
Ken Loach, Director de “Tierra y Libertad”

Otro punto destacable del film es la utilización de un narrador en forma de voz en off vinculado a la historia. Un ejemplo de ello es el momento en el que se enfatiza la vuelta del camarada, donde mezcla historia con flashback y hace uso de la voz en off a modo de explicación. El narrador en off también nos ayuda a discriminar la información presente puesta en el pasado para identificar la función dramática. Los momentos clave como la muerte del amigo, la traición del partido, enamorarse de una camarada... son explicaciones individuales que nos hacen humanizar la guerra. La narración en off junto con estas explicaciones individuales con las que marcan la precisión narrativa del film.

Complementariamente se puede hablar de una unidad temática: la tierra y la libertad. La tierra está presente en toda la película, en el frente principalmente. Surge en los debates entre los habitantes del pueblo y entre los milicianos. En todos los entierros, desde Coogan hasta Blanca y David. La libertad es el sueño de todos los personajes, de todos los milicianos que combaten al fascismo en las trincheras. Surge en las canciones, en los debates de los camaradas, en las cartas de David, etc.

Añadido a todo esto, la narración de la historia se apoya en un punto de giro que sirve para realzar la historia. cuando David elige alistarse en el Partido Comunista tras ser herido por el mal estado de las armas de las milicias del POUM, podría considerarse un punto de giro en la historia: la puesta en escena ya no es en las trincheras sino en Barcelona, mostrando el enfrentamiento entre anarquistas y comunistas, para después volver a las trincheras. 

EL CLUB DE LA LUCHA (ANALISIS)

La lucha contra uno mismo



El club de la lucha es un film que usa sus propios personajes como elemento para la crítica de los conflictos que se dan en la sociedad moderna y recurre a ellos también a la hora de resolverlos. La primera alegoría para estos conflictos es el consumismo frente al nihilismo. El club de la lucha se caracteriza principalmente por su tono crítico frontal y directo hacia el consumidor compulsivo, representado en este caso por un narrador. El protagonista vive en una vida vacía y solitaria, trabajando para comprar muebles para su apartamento en el cual nunca esta, para endeudarse y seguir trabajando y es hacia este tipo de personas donde va enfocada la crítica del film.

Cuando entendemos y apoyamos la critica hacia este tipo de conducta, se nos presenta a Tyler. Él es el tipo de persona al que, después de conocerle, aspira nuestro protagonista. Tyler es la figura del nihilismo y escepticismo y en poco tiempo crea la representación de su estilo de vida a través de “El club de la lucha” propiamente dicho. Éste club aboga por la libertad y el desacato de las leyes mundanas que restringen la liberación del ser humano y los integrantes de éste son las personas que realmente viven una vida plena.


- El club de la lucha aboga por el nihilismo ante la alienación humana -

Una vez nos presenta la que creemos resolución del conflicto, comenzamos a darnos cuenta del tema principal entorno al que gira el film: el dualismo del hombre, la existencia de dos principios supremos, independientes y antagónicos, uno del bien y otro del mal, incrustados en la misma persona. La relación entre el narrador y Tyler es nacida de la esquizofrenia proveniente de su insomnio, y su baja autoestima debido a su vida vacía. Su odio a su propia existencia y su miedo a cambiarla fue lo que conformo a Tyler realmente, un hombre que destruye la sociedad que odia, sin ningún temor al sufrimiento y que usa como guía en su cambio de vida, el cual no podrá lograr por si solo.

Contrariamente a medida que va avanzando el film, Tyler va obligando al protagonista a llevar a cabo planes mas radicales pasando de la critica al terrorismo con la sociedad. Manipula al dueño de su cuerpo para que no se desvíe de sus planes cada vez mas perversos. Es entonces cuando comienza el conflicto resolutorio del film. El protagonista es consciente de que la figura de Tyler esta sobrepasando los limites que incluso el club de la lucha permite. Se da cuenta de que la postura cínica que esta adoptando Tyler: se jacta de burlarse de las franquicias pero comienza a crean distintos tipos de club por toda la zona; critica a los hombre que solo siguen a lideres, pero entrena a los luchadores a comportarse sin preguntar. Es en este conflicto entre el protagonista y Tyler donde nos guía hacia la resolución real del film.

El protagonista finalmente se ve obligado a enfrentarse a Tyler debido a un atentado que planea en el centro de la ciudad. En el lugar del atentado, el narrador logra convencer a Tyler de que ya no tiene control sobre él y que desde ahora él será el único que tome decisiones por sí mismo librando al narrador de su segunda personalidad para siempre. Llevando la pistola que Tyler solía llevar con él, el narrador decide tomar la primera decisión que es realmente suya: ponerse el arma en la boca y dispararse. Con esto nos resuelve el conflicto entre Tyler y el protagonista y el narrador propone la figura autodidacta de la persona, restando importancia al escepticismo y nihilismo primeramente presentados en la película. 

ENTERRADO (RODRIGO CORTÉS)

Enterrado para siempre


“Buried” comienza con el protagonista, Paul Conroy, enterrado vivo en un ataúd. Ésta, y la manera de salir de él, va a ser la temática principal del film. Paul dispone de un teléfono móvil y un mechero. El teléfono móvil nos introduce en el fuera de campo, mientras que el mechero es totalmente el campo ya que sin el no podríamos ver nada dentro del ataúd. Paul utiliza el móvil para hacer llamadas pidiendo ayuda pero se encuentra con una serie de impedimentos burocráticos que le hacen desesperar. Las largas esperas al teléfono y la incredulidad de las personas que lo atienden, hacen desesperar al espectador cada vez mas.

Tras realizar una cuantas llamadas, Paul, recibe una llamada de su supuesto secuestrador. 
Éste es el primer punto de giro de la historia a partir del cual la desesperación en el protagonistas comienza a ser mas notable. Es en este punto cuando empieza a hacer las llamadas “efectivas” y comienza su búsqueda. Hasta este momento la temática se había centrado en las largas esperas al teléfono para conseguir que le hicieran algún tipo de caso a su situación y a la incomunicación que podemos llegar a sentir en algunos momentos de necesidad.

En este momento Paul consigue contactar con Brenner, el negociador de secuestros, que le asegura que el gobierno de USA no pagara el rescate. Aquí el tema se centra en la doble moral del gobierno americano. A partir de aquí comienzan a darse una serie de situaciones que se convierten en el tema de este acto. El secuestrador le piede que grabe un video alegando que tiene información sobre su familia, la Empresa usa una serie de trucos legales para despedir a Paul y que su fanilia no cobre el seguro de vida. En este momento del acto es donde Paul tiene la moral mas baja y centramos el tema en este hecho.

Justo en ese momento encontramos el segundo punto de giro de la acción temática debido a un bombardeo sobre él que casi acaba con su vida. El secuestrador deja de responder a sus llamadas y piensa que ya no habrá ninguna forma de poder encontrarle. En este caso se usa el bombardeo como elemento del fuera de campo para describir un cambio de giro temático. No obstante, el secuestrador le vuelve a llamar y el negociador le informa de que un iraquí esta colaborando en su busca. Aquí nos cambian el punto de vista temático para que lo centremos en la esperanza de la salvación de Paul.

Finalmente el iraquí que colaboraba con el negociador les ha llevado a un ataúd equivocado por lo que no hay ninguna esperanza para Paul. Durante toda la película el espectador centra el tema del film en la salvación del protagonista, pero lo que realmente vemos con esta situación es la importancia en este caso de todas las acciones que ocurren en el fuera de campo y como afectan al protagonista. 

EL BAILE (ETTORE SCOLA)


Cien años de historia, un solo baile



La narración audiovisual es una fluctuación entre el campo y el fuera de campo. Un claro ejemplo de ello es “El baile” de Ettore Scola, que además usa esta fluctuación para formar un todo dentro de la narrativa del film. En primer término usa el baile en todas sus expresiones como acción principal que se desarrolla en el campo; El emparejamiento es la situación que da el campo en el presente. El film usa a Francia como epicentro de tres dimensiones: la humana, el comportamiento que se inserta en las circunstancias sociales y políticas y los acontecimientos históricos referidos a la política y la cultura.

El campo en la sala de baile es usado por Scola para narrar las acciones de los personajes principales y su historia, pero usa el fuera de campo para los cambios de giro en los acontecimientos que lo provocan. Por ejemplo, en la transición hacia la época de la segunda guerra mundial utiliza un tiempo abolido que se encuentra en un fuera de campo técnico, un fuera de campo no diegético, hacia el que miran las personas hasta el contenido escenográfico siguiente. El campo viene definido por la dimensión y medida espacial de los encuadres de la secuencia dramática. En ocasiones Scola utiliza la visión de el campo desde el fuera de campo como visión general de la acción. Es el caso del señor con sombrero que mira desde lo alto de la sala hacia la pista de baile.

Hay acontecimientos que se narran en el fuera de campo y que afectan al fuera de campo. Hay mucha acción narrativa que sucede en el fuera de campo y que construye realmente la finalidad narrativa del contexto histórico. La acción sucedida en los baños del baile es una de las principales narraciones de las épocas por las que sucede el film. El sonido fuera de campo nos ayuda principalmente a situarnos en la época en la que esta sucediendo la acción dramática. El sonido de aviones y bombarderos narran la ocupación de la Alemania nazi en Francia y la música melancólica que escucha el barman nos dejan claro que es el peor momento de la historia francesa.

El nexo de unión entre el campo y el fuera de campo en el film viene dado por las escaleras. Este elemento es utilizado por todos y cada uno de los personajes que aparecen para entrar al campo desde el fuera de campo, excepto por el barman. Cabe
destacar que todos los personajes de clase alta que aparecen en la película viene del fuera de campo. Otro elemento que se incluye en el fuera de campo y avisan de la entrada de un personaje o una aconteciendo importante son las sombras. Un indicativo evidente de la época en la discurre la acción dramática es la banda de música. A medida que van pasando por las diferentes épocas van cambiando de posición, aspecto y composición. Entorno a los años 1946 la banda de música se encuentra posicionada en un lugar alto en el baile y tiene por nombre “blue boys band” ,lo que nos indica claramente la época que se esta viviendo en ese momento. El posicionamiento de la banda de música puede hacer que este en campo o fuera de campo. Este elemento es muy recurrente para Scola porque le ayuda a definir muy bien el momento de la historia con el posicionamiento de la banda y el campo o fuera de campo.

El film finaliza con el tiempo presente. La retirada de los personajes se realiza hacia el fuera de campo por las mismas escaleras por las que entraron. Se incluye algún plano de situación dentro del campo con algunas acciones de fondo. 

sábado, 30 de marzo de 2013

RIDLEY SCOTT

Director polifacético curioso donde los haya



Si señores, hablamos nada mas y nada menos que de Ridley Scott. El autor de películas como "Thelma y Louise", "Blade runner","Alien: el octavo pasajero", "Hannibal" o la reciente "Prometheus" es un tipo peculiar. Ya en "Thelma y Louise" daba de si para curiosidades como cuando le pidió a Geena Davis que se quitara la parte superior de su ropa y enseñara el pecho en una de las escenas de coche sin texto. Esto no llegó a suceder porque Susan Sarandon le echó una bronca a Scott diciéndole que no iba a consentir que se rodara dicha escena. Con dos coj...

A Ridley le encanta que alrededor de sus películas se cree un aura de "falsas informaciones" que luego resulten ser ciertas o viceversa. Ridley Scott afirmó que había imaginado un final distinto para la película. En él, el alien mataba a Ripley arrancándole la cabeza de un mordisco, ocupaba su lugar como piloto de la nave de salvamento, y se comunicaba con la Tierra para pedir que le rescatasen, imitando la voz de la protagonista. La productora rechazó esa posibilidad, no tanto porque ya se pensase en una saga, (habida cuenta de que aún no se conocía el éxito que podía alcanzar la película en su estreno), como porque creían que un desenlace tan negativo no le gustaría al público. Nunca se supo si fue realmente rechazado por la productora o por el propio Ridley y se cubrió con la historia de la productora.

La película de "Alien" es una gran productora de curiosidades. Ridley Scott aceptó este proyecto, tras renunciar a rodar "Trípoli" ante la imposibilidad de encontrar localizaciones a causa de la inestabilidad política en los países árabes. Los productores llegaron a recriminar a Ridley Scott que durante los primeros 45 minutos del filme, no pasaba nada interesante, que no se contaba nada; pero Scott les dijo que por lo menos eran intensos. 


Sin embargo, Ridley tiene para todo y para todos sus films. La atmosfera propia de "Blade Runner", aunque parezca mentira, nació de una foto: Ridley era un enamorado del pintor Edward Hopper, en especial de su obra "Nighthawk". Él imagino un "mundo" asi y asi lo hizo saber a sus compañeros de rodaje llevando una foto a escala de esa obra durante toda la duración de éste. Una curiosidad ya sabida por todo es el fallo en el conteo de replicantes. La versión extraoficial y que corresponde con el aura propia de Ridley, indica que el error en el conteo de replicantes (6 en vez de 5) se debe a la falta de presupuesto para incluir más escenas con un replicante llamado "Mary"; el diálogo entre Deckard y Bryant se volvió a rodar pero inexplicablemente Ridley Scott dejó en el montaje final la parte de la inconsistencia en el guión.



Sin duda no hemos hablado de un director al uso, aunque creo que a dia de hoy es quien es precisamente por no serlo.

Saludos

Fernando Quintana Campos.

ALIENS "EL REGRESO"

Curiosidad alienígena




Aliens "el regreso": qué decir de este clásico cinematográfico que habla por si solo. "Curiosamente" la primera vez que la vi pensé que era un película digna de esconder millones de curiosidades en su interior e investigando un poco me di cuenta de que mis presagios eran ciertos.

Para empezar, estuvimos a punto de no poder disfrutar de esta película "gracias" a los tiras y aflojas propios de despachos. En su absoluta confianza en que sin Ripley no habría "Aliens", el agente de Sigourney Weaver exigía una enorme suma de dinero a cambio de que su actriz protagonizara la secuela. Los productores se negaron a pagar tanto dinero, por lo que se produjo un tira y afloja monetario mientras James Cameron ya tenía listo su guión y definido el resto del reparto. La situación con Sigourney llegó a un punto en que Cameron amenazó con mandar todo el proyecto al garete si no había acuerdo para cuando regresara de su breve luna de miel (acababa de casarse con la guionista y productora Gale Anne Hurd). Por fortuna, a su vuelta ambas partes ya habían firmado un contrato y se pudo comenzar el rodaje. (Uf, menos mal)

A pesar del acuerdo que hizo que se pudiera levar a cabo, se tuvieron que matizar algunos detalles para que ambas partes estuvieran de acuerdo. Aunque el guión emitido el día 30 de mayo de 1985 se parece mucho a la película final, hay escenas que éste especifica que finalmente no aparecieron. Por ejemplo, Ripley usando una ducha futurista; Ripley entrando más en detalles sobre los face-huggers, con los marines al inicio de la misión, describiéndolos como "órganos sexuales caminantes", a lo que Hudson replica "Se parece a ti, Hicks"; la existencia de treinta procesadores atmosféricos, en vez de uno; Newt ofreciéndose a Ripley como su hija; y un ataque a Bishop en la escena donde éste se introduce en el túnel para llegar a la antena.

Para terminar, y ya que soy técnico de sonido, os contare una curiosidad musical de la mano del compositor de la banda sonora y es que si alguien ha sentido que la música de algunas partes de la película le suena, se debe a que James Horner tomó prestados algunos de los compases que él mismo había creado e incluído en la banda sonora de "Star Trek III: "en busca de Spock".

Un saludo curioso.
Fernando Quintana Campos

LOS VENGADORES

La venganza convertida en curiosidad





La venganza es, sin lugar a dudas, una de las fuentes de curiosidades mas prolíferas en la indistria cinematográfica. Si a esto le sumamos una película llena de héroes vengadores, tendremos asegurada una lista interminable de curiosidades. Hablamos de "Los Vengadores" un film fanástico que trajo cola. 

Rodar en Central Park nunca es fácil, pero ¿qué ocurre cuando la totalidad del reparto se reúne en la Fuente de Bethesda durante el fin de semana del Día del Trabajo? El reparto, el equipo y los realizadores se dieron un baño de realidad, ya que miles de curiosos se reunieron para ver algo que también atrajo la atención de los neoyorquinos más escépticos. Pudieron admirar a todo el reparto en sus trajes de faena, incluyendo a Thor y Loki luciendo sus mejores galas asgardianas. Para los actores era la primera vez que estaban todos reunidos en más de un mes y también la última en la que rodarían juntos. Para el director Joss Whedon, el desafío estaba en mantener la concentración de su reparto. "Fue una mezcla de circo y reunión de antiguos alumnos", decía riendo el director. "Los paparazzi y los fans estaban por todas partes y el reparto estaba encantado de volver a verse, hablar y ponerse al día de sus vidas porque se lo habían pasado genial juntos."

La película cuenta con un gran número de batallas así que muchos de los actores, incluyendo a Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Scarlett Johansson y Jeremy Renner, participaron en exhaustivas sesiones de entrenamiento con el equipo de especialistas. Los miembros del reparto entrenaron con Jonathan Eusebio, el coreógrafo de batallas. El gimnasio pasó a llamarse "Stunt Dojo" y allí, Eusebio y su equipo entrenaron al reparto en diferentes estilos de lucha, entre los que estaban las técnicas de lucha medieval, el Wushu, el Kung Fu y el Kali.

Las localizaciones de esta película son de lo mas llamativo, tanto las exteriores como los platós de interiores. El rodaje empezó el 25 de abril de 2011, en Albuquerque, Nuevo México, en los Estudios Albuquerque y en diversas localizaciones de la ciudad y sus alrededores, y finalizó el jueves 28 de julio. Otros lugares de rodaje fueron Wilmington, Ohio; Worthington, Pennsylvania; Cleveland, Ohio y Nueva York. El rodaje duró 93 días en el caso de la primera unidad y 47 en la segunda unidad. 

No hay que olvidar que esta es una producción que pertenece a marvel y como tal, cuenta con sus numerosos fans incondicionales. Un ejemplo de ello fue un fan que hizo un gran cartel en el que daba la bienvenida al reparto y pedía a los actores que firmaran una camiseta que había en una bolsa. El cartel tuvo tanto éxito que la noticia llegó al rodaje. Los realizadores se pusieron en contacto con la fan que hizo un tour por los platós, se llevó una gorra del equipo de la película, conoció y saludó al director Joss Whedon y, por supuesto, consiguió que los actores estamparan su firma en la camiseta que anunciaba en el cartel. Fue un día inolvidable para una incondicional fan de Marvel.



Un saludo. Fernando Quintana Campos


viernes, 11 de enero de 2013

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

Un anillo para curiosear a todos.




Si nos llegan a avisar del calvario por el que tienen que pasar, y nos hacen pasar, por el simple hecho de la existencia tan simple de un anillo, creo que mas de uno se hubiera de salido de la sala de cine en el minuto 1. Miramax (la productora original), conocedora de ello, quería comprimir todo en una sola película, aunque finalmente fue una trilogía. Hay que decir  que cuando el trailer de la película estuvo disponible en internet el 7 de abril del 2000, fue bajado 1.600.000 veces en las primeras 24 horas. La culpa de esto la tiene Peter Jackson que comentó: "Sólo ahora se ha alcanzado un nivel de tecnología suficiente como para poder recrear con dignidad El Señor de los Anillos". Dicho esto, se dispusieron a grabar.



Peter Jackson no se anda con tonterías: era capaz de dirigir desde lejos a los tres equipos a la vez utilizando un sistema de transmisión de vídeo por satélite que funcionaba gracias a Telecom New ZealandSe llegaron a rodar simultaneamente hasta cuatro escenas completamente inconexas, con cuatro equipos distintos y decorados diferentes. Así  se rodó en una sola atacada los tres episodios de la saga: "La Comunidad del Anillo", "Las dos torres" y "El retorno del rey". Eso costó la inaudita y arriesgada cifra de 300 millones de dólares. Casi nada.

Durante el rodaje, muchos fans se acercaban para curiosear, al ver esto Peter Jackson los mandó  disfrazarse de orcos para que aparecieran en la película. A otro fan que iba siempre lo pusieron a servir café a los actores. Gran parte de la ingente aparición de fans tiene su lógica: Las montañas de Nueva Zelanda son sagradas para sus habitantes. Así que Peter Jackson se comprometió a retocarlas (todas) digitalmente para que no se viesen sus cumbres. Sólo con aquel compromiso le dieron permiso para rodar. Dicho por Peter Jackson en los comentarios de "Las Dos Torres". Jackson no tenia problema de reparto aunque a la hora de elaborar el casting, se pidiera una estatura de 1.65 como máximo para los hobbits y 1.75 como mínimo para los elfos; ya que en Nueva Zelanda fue tanta gente que, a excepción del reparto principal, todos los actores son nativos de Nueva Zelanda. ha sido tal el impacto turístico que Nueva Zelanda ha nombrado un ministro dedicado a gestionar los dividendos turísticos y cinematográficos del rodaje.





Cuando decia que Peter Jackson y su equipo de rodaje no se anda con tonterías, no lo decía de broma: Un año antes del rodaje se plantaron 5.000 metros cúbicos de plantas en un invernadero especial que luego sirvieron para crear el mundo vegetal de los hobbits. Se fabricaron 900 armaduras, 2.000 armas y se pegaron y despegaron 1.600 pares de orejas y pies de látex, todos hechos a medida. Se elaboraron más de 150 trajes por cada cultura: los elfos, los hombres, los hobbits y los enanos. Los actores se sometieron a diversas torturas: desde cursillos de esgrima, supervisados por el legendario Bob Anderson - el hombre que enseñó a Errol Flynn a empuñar un florete- , hasta clases de equitación para montar más de 250 caballos.

Podría esta hora escribiendo sobre las curiosidades de esta épica trilogía epro creo que seria extenderse demasiado. Queda claro que es sin duda uno de los rodajes mas elaborados hasta el día de hoy y seguramente lo seguirá siendo por mucho tiempo.

Un saludo.

Fernando Quintana Campos

       







EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE

Christopher Nolan y Batman. Nada más que decir.




Hoy me he levantado épico y ¿Qué mejor que una de batman para satisfacer mis necesidades épicas diarias? aunque he de reconocer que no me parece la mejor de las tres. Christopher Nolan es un genio, y en esta trilogía lo demuestra. Prueba de ello es que las entradas en los cines IMAX de New York se acabaron 6 meses antes de la premiere.

Ésta tercera parte de la saga es la que menos me gusta por varias razones pero por una en concreto: Anne Hathaway. Me parece buena actriz pero, sin duda, este no ha sido el papel de su vida. A parte de esto su doble es torpe, si, torpe. Durante el rodaje la doble de Anne Hathaway rompió la segunda cámara IMAX, que para el que no lo sepa, son 500.00 euros de cámara. Algunos de los actores aseguraron que el sonido de la cámara IMAX es similar al de una máquina de café. He aquí la prueba de que a esta mujer no le gusta el café:



Christopher Nolan no tuvo especial suerte esta película con el equipo de rodaje. Wally Pfister (director de fotografía) quería rodar la película en formato IMAX, ya que tanto él como Christopher Nolan han descartado la filmación en formato 3D. Como he comentado antes, la habilidad de "catwoman" para manejar la "batmoto" hizo cambiar de planes al equipo. Finalmente, solo una hora de la película fue filmado en formato IMAX.


A estas alturas,  a Nolan ya le sobraba gente en el rodaje. Sin embargo la ley de Murphy hizo de las suyas: un día de rodaje, se necesitaban 500 extras para las escenas. Se presentaron 10.000 sin buscar ser remunerados. Al terminar el día, la producción realizó diversos concursos y sorteos para compensar de alguna forma a esos extras.

Para finalizar diré que Christopher Nolan es el primer director en trabajar con más de dos películas de Batman, aunque con este rodaje no creo que haya una cuarta. Esperemos que si...

Un saludo

Fernando Quintana Campos.


PENÉLOPE CRUZ

La primera actriz española de la historia nominada a un Óscar.




He de confesar que Penélope Cruz me cae mal. Soy técnico de sonido, y como tal, odio el doblaje. Esta animadversion hacia esta actriz es causa del doblaje, por supuesto, ya que por decisión propia ,y no por temas de costes, no dobla sus películas al español. La razón no la se, pero sin duda podría refutársela sin ningún problema. Dicho esto, no todo es animadversión entiendo que esta mujer ha hecho por que el cine español sea un poco mas internacional mucho mas que cualquier actriz, eso es innegable, aunque tampoco se si es del todo bueno. Sin mas dilación pasamos a unas cuantas curiosidades:

Empezamos por una curiosidad que me dejó un poco perplejo, y es que no sabia que teniamos un angel de charlie entre nuestras filas cinematográficas. En un principio el papel de Luci Liu estaba pensado para Penélope Cruz, a la cual desecharon por su marcado acento hispano al hablar inglés, "Spain is different".




Pedro Almodóvar es sin duda uno de los cineastas preferidos por la actriz (no recordemos aquel grito de ¡PEDRO! por favor), pero sin duda Penélope se ha pensado mas de una vez si realmente era su preferido. Especialmente durante una rueda de prensa de cineasta, al cual preguntaron que si existía algún algún fallo que pudiese destacar de la película. Ni corto ni perezoso dijo rotundamente la palabra: culo. Según Pedro Almodóvar, sólo hay un fallo en el cuerpo de Raimunda (Penélope Cruz): El culo. Pedro dijo que este tipo de personajes son normalmente gente con gran trasero, y el de Penélope está demasiado estilizado. Menos mal.




Algo que yo no sabia es que esta mujer tenia tal importancia fuera de cámara. Ghotika está producida por Joel Silver y Robert Zemeckis, a través de su compañia Dark Castle Entertainment, Columbia Pictures y Warner Bros. La participación de estas dos últimas productoras de forma conjunta podría deberse a la presencia en el reparto de Halle Berry y Penélope Cruz. Tal y como lo leen, esta mujer es capaz de unir a los grandes de la producción internacional gracias a reparto con la mismísima chica Bond.

Para terminar diré algo que ya sabréis y que a parte os he adelantado. Es la primera actriz española nominada al premio mejor actriz por los premios Óscar. No es de extrañar que posteriormente escriban guiones de personajes exclusivamente para ella, como ocurrió en los abrazos rotos y su personaje "Lena".

Un saludo, os dejo con algo aunque ya se que he dicho que no lo recordéis, pero es que me hace tanta gracia...




Fernando Quintana Campos